Cela ne m'étonne pas que l'on se meure devant la tente de l'aimé.
Ce qui m'étonne, c'est que l'on aime et que l'on reste en vie.
Présentation de l'éditeur
Le film, réalisé en 1987 et 1988 par la chorégraphe allemande Pina Bausch, avec le Tanztheater Wuppertal, a pour sujet les saisons avec des danseurs et des acteurs jeunes et âgés. Il est aussi consacré aux chants des peuples et aux gens d'une ville du Bergisches Land. Le dossier contient un entretien et des photographies du film.
Pina Bausch’s work has had tremendous impact across the spectrum of late twentieth-century performance practice, helping to redefine the possibilities of what both dance and theater can be. This edited collection presents a compendium of source material and contextual essays that examine Pina Bausch's history, practice and legacy, and the development of Tanztheater as a new form, with sections including:
Interviews, reviews and major essays chart the evolution of Bausch’s pioneering approach and explore this evocative new mode of performance. Edited by noted Bausch scholar, Royd Climenhaga, The Pina Bausch Sourcebook aims to open up Bausch’s performative world for students, scholars, dance and theatre artists and audiences everywhere.
On choreography: 'Choreography is a negotiation with the patterns your body is thinking'
On rules: 'Try breaking the rules on a need to break the rules basis'
A Choreographer’s Handbook invites the reader to investigate how and why to make a dance performance. In an inspiring and unusually empowering sequence of stories, ideas and paradoxes, internationally renowned dancer, choreographer and teacher Jonathan Burrows explains how it’s possible to navigate a course through this complex process.
It is a stunning reflection on a personal practice and professional journey, and draws upon five years’ of workshop discussions, led by Burrows.
Burrows’ open and honest prose gives the reader access to a range of exercises, meditations, principles and ideas on choreography that allow artists and dance-makers to find their own aesthetic process.
It is a book for anyone interested in making performance, at whatever level and in whichever style.
The only scholarly book in English dedicated to recent European contemporary dance, Exhausting Dance: Performance and the Politics of Movement examines the work of key contemporary choreographers who have transformed the dance scene since the early 1990s in Europe and the US.
Through their vivid and explicit dialogue with performance art, visual arts and critical theory from the past thirty years, this new generation of choreographers challenge our understanding of dance by exhausting the concept of movement. Their work demands to be read as performed extensions of the radical politics implied in performance art, in post-structuralist and critical theory, in post-colonial theory, and in critical race studies.
In this far-ranging and exceptional study, Andre Lepecki brilliantly analyzes the work of the choreographers:
and visual and performance artists:
This book offers a significant and radical revision of the way we think about dance, arguing for the necessity of a renewed engagement between dance studies and experimental artistic and philosophical practices.
Ce livre est une bicyclette à roues carrées : un numéro de clown. Il est le résultat d'une compilation de notes de travail, de réflexions, d'interrogations, d'hypothèses et de commentaires accumulés pendant des années à enseigner le clown. Prof de clown ; c'est déjà un gag en soi, sinon une curiosité ! Ce n'est ni un essai, ni une thèse, ni même un précis méthodologique. C'est un témoignage imparfait établi à partir des expériences partagées avec de très nombreux acteurs qui ont osé se confronter à ce personnage mythique aussi simple que paradoxalement difficile et complexe. Le clown échappe à toutes définitions parce qu'il est éminemment humain et toujours en mouvement.
C'est pourquoi ce livre n'est pas un recueil de recettes. Il se présente comme un glossaire facétieux dont on peut critiquer les choix. Il est fait pour ça. Il veut informer, intriguer, susciter le débat voire la polémique, et surtout inciter et stimuler la recherche créatrice pour celles et ceux qui veulent s'aventurer avec le clown.
Faire l'expérience d'une oeuvre chorégraphique conduit le public à éprouver cette sorte de tension propre à la relation esthétique, au cours de laquelle le spectateur s'invente comme sujet sensible. Ce livre propose de considérer comment l'oeuvre oriente et favorise un trajet perceptif que l'examen de la spatialité en danse met en évidence. La spatialité contribue à organiser un régime de visibilité et d'attention : elle semble jouer un rôle déterminant dans la façon dont l'oeuvre sollicite le spectateur, en désignant où regarder et comment percevoir. Cette hypothèse est mise à l'épreuve des analyses successives de cinq pièces : Self-Unfinished de Xavier Le Roy (1998), Trio A d'Yvonne Rainer (1966), Suite au dernier mot : Au fond tout est en surface d'Olga Mesa (2003), Con forts fleuve de Boris Charmatz (1999) et enfin Variations V de Merce Cunningham (1965). L'attention à l'oeuvre chorégraphique est ainsi au coeur de la réflexion : comment chaque danse, à l'intérieur du dispositif de perception constitué par la scène occidentale, sollicite-t-elle le spectateur pour conduire son attention vers le surgissement d'une figure dansante ?
«En 1992, lorsque je sollicite une première rencontre avec Trisha Brown, je ne sais pas encore que je vais m'intéresser à la question de la transmission, à la question de l'école comme lieu d'émancipation. C'est pourtant ce qui se joue dans ces conversations qui auront lieu pendant dix ans. À travers les questions à Trisha Brown, souvent préparées, parfois improvisées, je cherche à comprendre tant le coeur du travail, sa fabrication intime, le rapport aux danseurs, leurs corps, leur imagination, que le contexte du travail, le cadre hiérarchique de la compagnie, le désir d'école, les questions économiques qui parfois donnent de nouvelles orientations. À mesure que je la rencontre, je peux inventer ma route et préciser mes propres options. Loin de m'inféoder à elle, ce lien m'autorise et m'émancipe.»
Emmanuelle Huynh
Eminent critique, brillant essayiste en meme temps que grand pédagogue, Georges Banu unit en lui la figure du témoin à celle du voyageur. Ce livre qui lui est dédié prend ainsi pour objet les différents liens qui unissent le théâtre et les voyages, envisagés à travers le double tropisme du départ et du retour. Comment le fait de partir, de s'en aller, peut permettre de découvrir d'autres théâtres, des 'ailleurs' du théâtre. 'Ne jamais se contenter du connu ou du familier', devise du critique voyageur ! Il sait qu'en retour et au retour, le regard se déplie et la perspective s'élargit.
Catherine Naugrette, avec l'aide d'Alisonne Sinard, s'est adressée à des gens de théâtre et à des universitaires proches de Georges Banu, qui présentent ici une véritable déclinaison des voyages du théâtre. Les essais et les témoignages, les dessins originaux ainsi rassemblés, se proposent comme autant d'invitations à partir, à rêver peut-être, pour découvrir l'ailleurs du théâtre, entre réel et imaginaire.
Combien de temps cela va-t-il encore durer ? Devant les yeux fatigués du meurtre, devant les oreilles fatiguées de la tromperie, devant tous les sensqui ne veulent plus et sont révulsés par cette mixture de sang et de mensonge. J'avais l'impression d'entendre ce cri : 'Ne dormez plus, Macbeth assassine le sommeil !' Un pauvre peuple lève la main droite, en signe de conjuration, vers cette mèche qui déclenche les calamités : 'Combien de temps encore ?' Moins de temps que durera le souvenir de tous ceux qui ont souffert l'indescriptible : coeurs piétinés, volontés brisées, honneurs souillés, toutes ces minutes de bonheur ravies ! Le temps que les bons esprits se raniment pour passer à l'action à l'heure des représailles...
Ce livre offre pour la première fois l'opportunité d'entendre Edward Bond commenter directement ses pièces, comme il ne le fait qu'avec quelques rares traducteurs et metteurs en scène. Interrogé par un spécialiste de son oeuvre, qui est allé pousser la porte de son atelier d'écrivain, il témoigne par lui-même de la réalité de son geste de dramaturge et dévoile la construction et les enjeux de pièces telles que Sauvés, La Compagnie des hommes, Les Enfants, Si ce n'est toi, Onze débardeurs, Existence ou les célèbres Pièces de guerre. En neuf petites leçons de dramaturgie en acte, il éclaire la profondeur et la richesse de sa pensée du théâtre et livre les clefs nécessaires pour lire son oeuvre dramatique hors du commun.
Le dramaturge anglais Edward Bond est depuis un demi-siècle une figure majeure du théâtre contemporain, auteur de plus de cinquante pièces, jouées dans le monde entier et d'une réflexion essentielle sur la fonction culturelle, politique et anthropologique du théâtre. Il a collaboré comme dramaturge, metteur en scène ou enseignant, avec les plus grandes institutions théâtrales de Grande Bretagne et d'Europe, aussi bien qu'avec des compagnies amateurs, militantes ou jeune public.
David Tuaillon est enseignant-chercheur, docteur en Arts du spectacle, spécialiste de la représentation et de la dramaturgie contemporaine. Il a consacré à l'oeuvre d'Edward Bond de nombreuses publications scientifiques ou de vulgarisation et a été, au Théâtre national de la Colline, l'un des collaborateurs directs d'Alain Françon, avec qui il a publié Quittez le théâtre affamés de changements.
