Auteur et acteur de théâtre, Ascanio Celestini est un des principaux représentants du théâtre de narration sur la scène italienne contemporaine. Sa parole est carnavalesque (au sens où l'entendait Bachtine du Gargantua et Pantagruel de Rabelais), son écriture est orale, à la fois grave et joyeuse, ancrée dans une italianité très forte convoquant la mémoire ancestrale et mobilisant la parole de ceux à qui elle est refusée. Un esprit anarchique qu'étaye un humour subversif donne à ses textes une actualité intempestive. À l'heure actuelle, ses pièces sont représentées dans toute l'Europe. Mieux, le succès de ses adaptations en français, en Belgique francophone et en France, se confirme chaque saison.
Se pose dès lors la question du traduire. Comment faire passer dans une autre langue l'oralité, le rythme, l'auto-ironie et la présence scénique de ce je narrateur ? Metteurs en scène francophones de Celestini, directeurs de théâtre, interprètes, traducteurs et chercheurs viennent ici nourrir la réflexion et répondre à ces questions essentielles.
Les études pluridisciplinaires rassemblées dans ce livre s'adressent aux narratologues, linguistes, traducteurs, dramaturges ou acteurs et à toute personne séduite par l'univers de Celestini.
Cet ouvrage contient des contributions en italien.

En partant en croisière pour l'Amérique du Sud, Rachel Vinrace entame un parcours initiatique jalonné de rencontres et de séductions. Accueillie sur place par sa tante, Mrs. Ambrose, elle découvre le sentiment amoureux avec Terence Hewet avant de tomber gravement malade. Premier roman.

Pièce de théâtre dansée et amusante mariant Hollywood à Wuppertal.

Georges Pitoëff (1884-1939) était l'un des membres du Cartel, avec Jouvet, Dullin et Baty. Très attaché au jeu des acteurs, à leur recherche d'une rythmique intérieure issue de l'enseignement de Jacques-Dalcroze, il a fondé ses mises en scène sur une disposition géométrique de l'espace et des couleurs en accord avec la peinture avant-gardiste de son temps.

En novembre 1987, quand débute le tournage de La Plainte de l'impératrice, Pina Bausch est à l'apogée de sa gloire. Elle a porté la révolution dans le spectacle vivant, cassant tous les codes, inventant au fur et à mesure, pièce après pièce. Filmer, c'est pouvoir sortir de scène, du théâtre, c'est avoir accès à l'espace extérieur, à la nature. Il y a là le désir d'un appel d'air. Comment la chorégraphe et sa troupe de Wuppertal ont-ils trouvé le chemin qui conduit de la scène à la caméra ? Pourquoi ce film sera-t-il la seule réalisation cinématographique de Pina Bausch ? C'est ce que raconte cet ouvrage.

Avec des témoignages. Parmi eux, ceux de grands artistes qui furent ses contemporains. Des témoignages qui continuent encore aujourd'hui. Ils sont rassemblés, ici, pour la première fois. Federico Fellini, Pedro Almodóvar, bien sûr, mais aussi Bob Wilson, Heiner Müller, Pippo Delbono, et encore Wim Wenders, Susan Sontag, Hervé Guibert, Yannick Haenel, François Weyergans, Peter Esterhazy... Tous ont ressenti le désir compulsif d'écrire sur Pina Bausch, comme pour s'approprier son pouvoir et sa force.

Il y a, dans l'oeuvre de Pina Bausch, un avant et un après de La Plainte de l'impératrice. Le film reste une énigme et fixe un point de rupture dans l'oeuvre théâtrale, qui se transforme. Aujourd'hui Pina Bausch a disparu. La Plainte de l'impératrice, oeuvre maudite et culte, au titre prémonitoire, ne se rend toujours pas. Comme un phare solitaire.

Il faut sauver la tragédie grecque de toute la gnose philosophique et tragique qui l'accable depuis près de trois siècles. Il faut la sauver de notre conception moderne de la littérature et du théâtre. Il faut la sauver de nous-mêmes pour la retrouver ailleurs, très loin, dans les lieux les plus improbables : le nô japonais, la messe catholique, la psychanalyse freudienne... À moins qu'elle ne soit déjà plus nulle part.

Car la tragédie est aussi introuvable que le tombeau d'Oedipe, ce tombeau que Sophocle prit pour thème de sa pièce ultime, laquelle est également la dernière tragédie grecque connue.

Avec Oedipe à Colone pour fil conducteur, ce livre raconte l'histoire édifiante d'une incompréhension à laquelle nous sommes voués. Il révèle les incroyables trahisons et mutilations dont ces chefs-d'oeuvre furent les victimes et propose en retour quelques thèses - ou hérésies - susceptibles de bouleverser non seulement notre vision de la tragédie, mais notre conception même de la littérature et de ses pouvoirs - sur les lieux, les corps et les dieux.

Nul détour n'est aujourd'hui si troublant ni si salutaire.

Du culte de Dionysos au théâtre de l'absurde, en passant par les mystères du Moyen Âge, la tragédie classique, le drame romantique ou le vaudeville, toutes les formes du théâtre sont ici étudiées. Texte, personnages, action dramatique sont analysés. Les techniques de la scénographie sont explorées, ainsi que le travail du comédien et du metteur en scène.

On trouvera en fin d'ouvrage un répertoire chronologique des auteurs et des oeuvres, un index des notions et un index des noms propres.

La femme

Pourquoi plus de question ? Sans tes questions je ne peux pas continuer, je suis aveugle et muette. Grâce à tes questions je revois - non, je me mets à voir. Voir ce qui restait invisible à ce moment-là. Demande-moi. C'était prévu comme ça.

L'homme

Et qu'est-ce que tu vois, dans la cabane, dans la cabane de la saline perdue ?

La femme

La lumière.

Les Beaux Jours d'Aranjuez, écrit par Peter Handke en français durant l'été 2011, est un dialogue sur l'amour, dans une tradition que l'on pourrait faire remonter au Banquet de Platon. Une femme et un homme, dans la complicité que permet une longue intimité et la beauté d'un soir de l'été qui s'achève, parlent de l'amour, de la première fois, dans un jardin qui est comme le premier jardin. L'homme interroge, selon des règles qui semblent avoir été convenues à l'avance, par jeu. Aux souvenirs d'amour se mêlent des souvenirs de voyage et des descriptions du monde à l'entour (parfois menaçant) qui témoignent d'une attention exceptionnelle à ces signes de la nature, presque imperceptibles, qui sont indissociables des mystères que l'homme et la femme cherchent à déchiffrer.

Une troisième 'causerie' du dramaturge D. Wahl qui, entre veillée nocturne et art savant, propose une coupe transversale dans l'histoire du corps et son lien avec les religions en narrant la répression passée de la chorégraphie en Occident.

La première Afro-Américaine à avoir été nommée danseuse étoile de l'American Ballet Theatre retrace sa vie et son parcours. Partagée entre le confort qui lui était offert par ces nouvelles perspectives et les difficultés du milieu duquel elle provient, elle a dû apprendre à concilier son identité et ses rêves.